Tape Notes Podcast
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Last summary: Aug 23, 2026
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La vidéo explore en détail le processus de traitement vocal, en particulier pour la piste de "Rock". L'objectif principal est de faire sonner les voix comme si elles avaient été échantillonnées, même lorsqu'elles sont enregistrées en session. Pour y parvenir, une approche méticuleuse est adoptée, impliquant de multiples étapes de traitement, souvent avec une centaine de plugins utilisés au total. Le processus commence par la sélection de différentes parties vocales, certaines enregistrées pour la session, d'autres provenant d'enregistrements antérieurs. L'un des défis majeurs est de faire en sorte que ces voix, issues de sources et d'enregistrements variés, sonnent comme si elles avaient été capturées lors de la même session. Pour cela, une quantité importante de traitement est appliquée.
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La création sonore implique des techniques uniques. Une piste sèche est panoramique à gauche, tandis que son écho est panoramique à droite, puis les deux sont mis en mono. Les batteries sont enregistrées via un haut-parleur de gare, leur donnant une sensation d'échantillonnage. N'importe quel synthé peut créer des sons de batterie, souvent avec du bruit blanc filtré. Tout est compressé environ dix fois, ce qui ajoute de la saleté et du bruit, rendant les voix plus granuleuses et émotionnelles. Un plugin spécifique est considéré comme le plus important pour leur son. Une fois qu'une piste est bien avancée, l'ajout d'un "ruby" améliore considérablement le son final. Le processus utilise une centaine de plugins, démontrant la complexité de leur production.
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Le processus de création musicale débute avec un échantillon vocal en boucle, extrait d'une prise plus longue, jugé accrocheur et propice à une introduction. La batterie utilise le plugin Visco, avec plusieurs couches pour un son riche. L'objectif est de fusionner une sonorité vocale classique avec des éléments de club modernes et percutants. La voix reste généralement brute, avec un minimum de traitement comme Decapitator Crystallizer, privilégiant l'authenticité de la performance. L'autotune est évité sur les prises vocales originales pour préserver la qualité naturelle de la voix. La ligne de basse a été créée de manière inattendue via le "session player" de Logic Pro, normalement destiné aux batteries acoustiques, aboutissant à un son unique et accidentellement efficace. Tommy Champion a contribué aux synthés et à la basse, utilisant un saturateur Sashwan. Les accords ont été produits sur un synthétiseur Matriarch, souvent combiné avec le rack modulaire de Tommy, ajoutant une touche humaine et instrumentale.
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L'artiste utilise beaucoup sa voix comme synthétiseur. Par exemple, il a transformé sa voix, après l'avoir pitchée de diverses manières, en un son de cor. L'un des morceaux a commencé avec une vidéo envoyée par un ami, Pierre Daniel Fory, montrant un ami à lui, Tamari, chantant dans son jardin. L'artiste a été impressionné par la voix non traitée de Tamari. Il a ensuite réharmonisél'enregistrement de Tamari et l'a recontextualisé pour ajouter plus d'émotion, en isolant la voix des touches du piano original. L'équipe est obsédée par les batteries, s'inspirant de morceaux comme "Music Sounds Better With You" de Stardust, où des batteries qui semblent massives sont en réalité souvent petites et compressées. Ils cherchent à créer une version moderne de ce son, en superposant des éléments. Par exemple, ils utilisent des motifs de groove minimaux, rappelant les vieilles batteries de house, et y ajoutent des éléments comme un verre de cloche, donnant une sensation de démo à la Michael Jackson des débuts. L'idée est de créer un rythme percutant mais sans écraser la chanson, laissant de l'espace à la voix de Tamari.
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Cette chanson, bien que n'étant pas techniquement la première écrite pour l'album, a été la première créée à Paris, marquant le début des sessions principales de l'album. C'était la première fois que les trois collaborateurs travaillaient ensemble dans la même pièce. Ils séjournaient dans un studio appelé Rue Boyer, un lieu de vie et de travail où ils avaient leurs appartements à l'étage et descendaient au studio le matin pour prendre le petit-déjeuner ensemble avant de commencer à travailler. Aidan Zamiri, qui a photographié la pochette de l'album, était également présent, documentant le processus. L'idée de la chanson est née un matin lorsque l'un d'eux a exprimé le désir de créer un morceau intitulé "Rock Music". Cela est devenu un véhicule intéressant pour discuter du pivot musical et de l'abandon de certains éléments sonores de leur travail précédent, tout en s'amusant à créer une chanson en jouant avec les sons. Ce qui est amusant, c'est que la chanson n'est pas réellement une chanson rock, ce qui ajoute une touche ludique.
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La création de la chanson "Card Decline" de Charli XCX a été un processus inattendu et plein de rebondissements. Initialement, l'idée était de créer quelque chose de très "haché". Une première version de la chanson a été enregistrée à un tempo rapide, avec une énergie telle que l'équipe pensait avoir "cloué le bec", s'attendant à ce que Charli soit époustouflée. Cependant, la réaction de Charli fut tout autre : elle a trouvé la version rapide "vraiment mauvaise" et a déclaré qu'elle ne pouvait pas chanter dessus. C'est alors, par pure plaisanterie, que l'idée de ralentir la piste est apparue. En utilisant Logic Pro, un ralentissement drastique de "minus neuf" a été appliqué, un réglage considéré comme "dangereux" car il est généralement trop extrême et peut faire "planter" le logiciel.
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Cette chanson a modifié ma perception de la vie et de l'art, ce qui était l'objectif de sa création. Le processus de composition a impliqué l'expérimentation de textures sonores, en cherchant des sons "laids". Un exemple est une boucle de batterie composée à partir de fichiers variés, utilisant un plugin appelé "concatenator" avec des éléments comme MS20, Phaser, Vimona et Profit. Le second couplet de la chanson intègre une conversation avec le célèbre réalisateur David Cronenberg. Cette collaboration est née d'une rencontre à Toronto où il a raconté son expérience d'effondrement dans la rue. L'artiste lui a posé des questions sur ses pensées à ce moment-là, notamment sur l'art, ce à quoi Cronenberg a répondu par la négative. L'idée de l'immortalité et du corps comme réalité, des thèmes récurrents dans son œuvre, a rendu sa contribution pertinente pour la chanson. Une heure et demie de conversation a été enregistrée à Toronto, avec des questions préparées et des digressions. Cronenberg a fait preuve d'une grande compréhension du projet. Le montage a révélé des passages d'une pertinence frappante, notamment une phrase qui s'est avérée incroyablement rythmique et s'est parfaitement intégrée à la musique : "Hear me assuring you that oblivion is freedom. They are dead. They are gone. No one lasts forever."
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En 1995, lors d'une conférence à Anaheim, Andy Hildebrand, un mathématicien ayant fait fortune dans les algorithmes de localisation pétrolière, se tourne vers la musique. Une amie lui suggère de créer une "boîte pour chanter juste". Cette idée, initialement rejetée, aboutira à l'Autotune. Quatre ans plus tard, en 1999, la chanson "Believe" de Cher, un succès mondial, propulse l'Autotune sur le devant de la scène, marquant un tournant dans la production vocale.
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Ce podcast explore les routines créatives et les outils essentiels pour les musiciens. Matt partage que sa routine principale consiste à consacrer du temps à la conversation avant de se lancer dans l'écriture, soulignant que la connexion et la compréhension mutuelle sont cruciales pour trouver le message et la manière de l'exprimer. Il estime que cette phase de connexion est souvent la compétence la plus importante. Olivia, avec une expérience plus courte, a réalisé qu'elle n'avait pas besoin d'écrire constamment pour être une bonne musicienne. Elle privilégie maintenant l'écriture lorsque l'inspiration vient et que le besoin se fait sentir, plutôt que de forcer le processus. Elle considère que les périodes sans écriture lui permettent d'accumuler des expériences qui nourriront ses futures créations. Elle recommande également l'utilisation du papier et du stylo pour écrire des paroles, car cela évite les distractions potentielles d'un téléphone, tout en reconnaissant la rapidité de ce dernier.
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Dans cet extrait, les créateurs d'un album discutent de l'élaboration de leur son distinctif, en se concentrant particulièrement sur l'utilisation du synthétiseur PolySix. Ils décrivent comment une ligne d'arpège jouée sur le PolySix a émergé comme un élément clé, apportant une « richesse et une crudité » surprenantes à un morceau autrement introspectif. Ce son, décrit comme un « plaisir coupable » rappelant la pop du milieu des années 2000, est devenu une pierre angulaire de l'album, apparaissant dans presque tous les morceaux. L'utilisation du PolySix est mise en évidence, notamment sa capacité à être doublé pour créer un effet stéréo, ajoutant une profondeur et une texture intéressantes. Des effets comme le « Culture Vulture » et le « Decapitator » sont mentionnés pour leur contribution à la tonalité et à la puissance du son. L'épisode est soutenu par une publicité pour l'application d'enregistrement iPhone « Tape », conçue pour les musiciens.
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