Bonobo "Fire on the Water" Full Ableton Session Breakdown

Le morceau contient une partie de guitare qui, à un moment donné, est transposée d'une octave, ce qui lui donne un son de piano. Les gens pensent entendre un piano, mais il s'agit en fait d'une guitare traitée. L'artiste a acquis une guitare baryton à chevalet en caoutchouc il y a environ six mois, qui est devenue un élément majeur de la palette sonore de l'album. Un matin, alors qu'il essayait de comprendre comment enregistrer cette guitare en studio avec du matériel inconnu, il a enregistré par inadvertance des boucles. Ces boucles n'étaient pas destinées à être utilisées, elles étaient bruyantes, mal jouées, et contenaient du bourdonnement et du buzz. L'enregistrement a été réalisé en direct dans un compresseur, puis directement dans l'ordinateur, car l'utilisation d'un ampli était trop bruyante. La guitare baryton, avec ses cordes à plat, a un son très grave, ressemblant parfois à un violoncelle ou un alto pincé. L'artiste a joué ces boucles à une collaboratrice, Aroot, qui a été intriguée. Elle a suggéré d'appliquer les paroles d'une autre chanson à ces boucles. En une heure environ, la structure de la chanson s'est mise en place, entièrement construite autour de cette boucle de guitare. La chanson incorpore également une boucle de percussion glitchy, qui est très large avec beaucoup de délai, et sonne comme des transitoires très étouffées et discrètes. Le contraste entre la partie de guitare lo-fi, granuleuse et bruyante, et la voix très propre et ample, est un élément clé. Ce contraste, instrumentation lo-fi et voix claire, est un choix délibéré. Des cordes ont été ajoutées plus tard. Elles proviennent d'une session d'enregistrement antérieure avec un quatuor à cordes, réalisée pour d'autres morceaux de l'album. Ces cordes ont été légèrement transposées et étirées pour s'adapter à cette chanson, créant une continuité avec la première piste de l'album. L'arrangement et les voix ont été très collaboratifs avec Aroot, qui avait une bonne idée de la structure. La batterie est composée de plusieurs couches : une vraie batterie, des échantillons de breaks de batterie, et d'autres percussions. L'intention était d'utiliser des textures acoustiques, mais de les programmer de manière à ce que le son ne soit pas nécessairement celui d'une performance live. Il y a beaucoup de manipulation, de découpage et d'édition dans les parties de batterie, rappelant les techniques de "cut and paste" des MPC. L'objectif était de créer une sensation live tout en laissant transparaître le côté programmé par de petits edits. Un break de batterie, déjà utilisé sur le deuxième album de l'artiste, a été réintroduit comme un clin d'œil. Le mixage est principalement une question d'écoute et d'équilibre des différents éléments, avec l'ajout de réverbération pour donner de l'espace. La basse, une partie de Moog, est doublée par une autre guitare, et il y a aussi un piano. Le mixage est simple, avec une basse Moog et une petite partie de guitare passant par beaucoup de modulation de bande. Il s'agit d'empiler les sons : les cordes, les guitares de l'intro, et la boucle de guitare qui traverse tout le morceau, avec quelques éléments glitchy supplémentaires. La chanson se construit sur ces couches sonores, créant une richesse et une complexité subtiles.