John Rzeznik Breaks Down "Iris", "Slide" and "Name"

John, bienvenue. C'est un honneur de vous rencontrer. Je suis un grand fan. "Iris" est l'une des plus grandes chansons jamais écrites et elle a fait un retour en force ces derniers temps. Ce succès est dû aux réseaux sociaux, à Taylor Swift, Beyoncé, 21 Pilots et à une génération qui partage la musique de ses parents avec ses enfants. La création de "Iris" a impliqué une approche expérimentale de l'accordage de la guitare. John explique qu'il s'assoit avec une guitare acoustique bon marché et modifie l'accordage en tendant ou relâchant les cordes jusqu'à obtenir un accord intéressant ou une mélodie jouable avec un seul doigt. Il utilise ensuite des doigts supplémentaires pour créer des harmonies, ce qui remplissait l'espace sonore, crucial pour Goo Goo Dolls, qui a débuté comme un groupe punk. À l'origine, John n'avait qu'une seule guitare, une Stratocaster avec une tête inversée. Il y a installé un Hipshot sur la corde de Mi grave et des mécaniques de banjo sur les cordes de Si et de Mi aigu pour pouvoir monter le Si en Do et le Mi en Fa#. Cela lui permettait de jouer de grands accords ouverts pour compenser le fait d'être un trio et de remplir le son. "Name" a été le premier grand succès du groupe. La chanson était tellement différente du reste de leur répertoire punk rock qu'elle a créé une situation étrange lors des concerts. Le public venait uniquement pour entendre "Name", et une fois la chanson jouée, la plupart des gens partaient, laissant le groupe jouer ses morceaux punk devant un public clairsemé. Cela a conduit le groupe à jouer "Name" en dernier, transformant leurs concerts en un mélange déroutant de ballades et de punk rapide. Ce fut une période de transition où ils ont perdu leurs fans de punk hardcore mais ont attiré un nouveau public, le groupe évoluant vers des sonorités plus mélodiques et influencées par la scène de Minneapolis des années 80 et 90, ainsi que par des artistes variés comme Motörhead, Elvis Costello, Cocteau Twins, The Cure, Metallica et The Clash. John admire Bob Mould pour son utilisation de distorsions et d'accords dissonants avec une beauté sous-jacente, une approche qui l'a beaucoup inspiré. Il mentionne spécifiquement la chanson "Games" de Mould et l'impact sonore puissant qu'elle a eu sur lui. L'influence de musiciens comme Steven Stills, Joni Mitchell et Jimmy Page, qu'il avait initialement rejetés par snobisme, est également devenue importante plus tard dans sa carrière, notamment après avoir travaillé avec Robbie, qui venait d'un univers rock plus mainstream. Initialement, Robbie et John partageaient les chants, mais John est devenu le chanteur principal. Il raconte avec humour qu'une nuit, après avoir bu, il a proposé de chanter une chanson, et sa performance a été si bonne que le groupe a décidé qu'il devrait chanter plus souvent. Cette collaboration a duré 40 ans. Le groupe, originaire de Buffalo, a obtenu son premier contrat avec Metal Blade, mais avant cela, ils ont signé pour 750 dollars avec un label indépendant appelé Celluloid, dirigé par un homme de Buffalo. John et Robbie travaillaient dans un studio d'enregistrement à Buffalo, où John nettoyait les toilettes et faisait des copies de bandes. Ils pouvaient utiliser le studio la nuit pour enregistrer. Ils ont enregistré leur premier album en trois jours avec un équipement de mauvaise qualité, mais le producteur Arman Petri a réussi à en tirer un bon son. Les clubs de Buffalo à l'époque étaient dominés par les groupes de reprises et le glam metal. Goo Goo Dolls a trouvé un lieu où jouer leur musique originale au Continental, un club qui servait de refuge pour les marginaux de Buffalo, accueillant toutes sortes de personnes et de styles musicaux. C'est là qu'Arty Kitchoff est entré dans leur vie en 1986, voyant le potentiel du groupe. Arty Kitchoff a mis en place une stratégie pour le groupe : louer des salles, créer des affiches, les distribuer et insister auprès des radios universitaires pour qu'elles jouent leurs cassettes. Cette approche a permis au groupe de gagner en popularité en organisant des concerts éclectiques avec des groupes de différents genres, créant ainsi une scène musicale originale et dynamique à Buffalo. Le groupe a obtenu son premier contrat discographique en 1987, qu'il décrit comme "horrible" mais comme la réalisation d'un rêve. Grâce à Arty et Pat Magnarella, leur agent de réservation, ils ont obtenu une tournée nationale en première partie de Gang Green. En Californie, ils ont rencontré William Howell de Metal Blade, qui cherchait à élargir son catalogue au rock alternatif, profitant de l'essor du grunge. Le contrat avec Metal Blade s'est avéré très défavorable. Leur avocat, Peter Parnes, l'a qualifié de pire contrat qu'il ait jamais vu, pire encore qu'un contrat TLC. Pour se libérer de ce contrat, le groupe a dû payer une somme considérable. Ils ont donc organisé une série de concerts dans des foires et des fêtes foraines, qui payaient beaucoup plus que le marché normal, pour réuniger l'argent nécessaire. Ils ont réussi à racheter leur contrat, même si cela a été difficile. Lorsque "Name" est devenu un succès, le groupe n'en a pas pris conscience immédiatement. John raconte qu'il a découvert le succès de la chanson en voyant le magazine Billboard dans la voiture qui venait les chercher à l'aéroport. Il a d'abord cru que Robbie lui faisait une blague, car après neuf ans de tournées dans un van et de concerts devant de petites foules, le succès semblait irréel. Il a fallu du temps pour qu'il réalise que la chanson était vraiment en tête des classements. John exprime sa gratitude d'avoir mis neuf ou dix ans à percer, car il pense qu'une réussite trop rapide aurait pu être destructrice pour le groupe. Il mentionne son admiration pour des artistes comme Bob Mould, Paul Westerberg, Nick Drake, Richard Thompson, The Who et The Kinks, qui ont influencé son écriture. Concernant la production de "Name", John note que la voix est intégrée dans le mix, une approche "old school" qui, selon lui, confère plus de puissance émotionnelle à la chanson, contrastant avec les productions modernes où la voix est souvent plus présente. Il pense que cette approche permet de mieux faire ressortir les paroles et les textures musicales. Pour l'enregistrement, John utilise des microphones vintage comme le Neumann U47 et le AKG C251. Il décrit sa voix comme "girthy" (ronde, pleine) et explique que le microphone aide à la contrôler. Il utilise également un compresseur RCA BA6A modifié par Greg Snow et parfois un Shure SM7, auquel il a fait modifier la sortie XLR pour plus de commodité. Il expérimente également avec des microphones de téléphone pour ajouter une touche de distorsion subtile aux enregistrements. La chanson "Iris" a été écrite dans un moment de détresse personnelle, alors que John traversait un divorce et vivait dans un hôtel. Il a écrit la chanson sur une guitare à quatre cordes, inspiré par une scène du film "La Cité des anges". Il décrit le processus comme une réception et une transmission d'idées, la chanson semblant venir de l'extérieur. La chanson a été initialement conçue pour la bande originale du film, et John ne s'attendait pas à ce qu'elle devienne un succès. Il a été surpris par la qualité de l'arrangement de cordes de David Campbell et par la façon dont l'ajout de ces instruments a fait passer le groupe à un niveau supérieur. Le groupe a eu la chance de travailler avec des personnes influentes comme Lenny Waronker, qui a cru en eux malgré des ventes initiales modestes. John souligne l'importance de l'évolution artistique, citant The Clash comme exemple de groupe qui a su se réinventer. Il pense que l'originalité vient de l'expérience humaine, des imperfections et des émotions, ce que l'intelligence artificielle ne peut pas reproduire. La création musicale, pour John, commence par la musique, qui influence ensuite les paroles. Il utilise souvent des vocalisations sans paroles pour trouver la mélodie et l'émotion avant d'écrire les paroles au crayon sur des blocs-notes jaunes. Concernant l'enregistrement de "Iris", John mentionne que la prise de base a été réalisée en deux jours, grâce à un batteur très compétent. Il souligne que lui et Robbie sont des musiciens autodidactes, ce qui a parfois rendu difficile la précision rythmique, mais que le producteur Rob Cavallo a su en tirer le meilleur parti. L'enregistrement a été réalisé sur Pro Tools, mais ils ont privilégié l'enregistrement d'une seule performance plutôt que de compiler de multiples prises, afin de préserver l'authenticité. La guitare utilisée pour "Iris" est une Taylor modifiée pour supporter un accordage inhabituel, avec des cordes épaisses pour maintenir la tension. La guitare a subi des dommages dus à ces ajustements, mais le technicien de guitare, Brian Kutzman, a su la maintenir en état. John décrit la composition comme un processus parfois douloureux, mais aussi comme le moment où il se sent le plus vivant, même lorsqu'il était simple technicien dans un studio. Il exprime sa gratitude pour les expériences vécues, qu'elles soient difficiles ou joyeuses. La chanson "Slide" est mentionnée pour sa difficulté technique, notamment le lick de guitare qui est difficile à jouer en live, surtout dans des conditions chaudes et humides. John pratique quotidiennement et prend des leçons de chant pour maintenir sa voix. Il attribue à son professeur, Eric Vitro, le fait de lui avoir permis de retrouver sa voix après une blessure aux cordes vocales. Il reconnaît qu'il n'est pas un musicien techniquement très accompli, mais il préfère explorer des sonorités nouvelles et originales plutôt que de maîtriser des techniques complexes. Il souligne l'importance du jeu de Tim Pierce sur "Slide", décrivant ses parties comme des éléments qui "collent" la chanson ensemble et lui donnent de l'éclat. Le succès continu de "Iris" est attribué à la nouvelle génération qui s'approprie la chanson. John pense que les gens recherchent l'imperfection et l'authenticité humaine dans la musique, en réaction à la technologie omniprésente. Il compare l'impact de l'IA dans la musique à celui de Pro Tools, qui a rendu possible la création de musique médiocre par des personnes peu talentueuses. Il critique la tendance actuelle à la surproduction et à l'utilisation excessive d'Auto-Tune, préférant le son organique et les imperfections qui rendent la musique plus humaine. Il évoque le plaisir de travailler avec des équipements vintage et l'importance de trouver des sonorités uniques, même avec des moyens limités. Il mentionne l'évolution des consoles et des préamplis, citant des marques comme Chandler et Helios comme exemples de qualité sonore. John exprime sa fascination pour les outils de production et l'acte de création, qu'il considère comme les moments les plus heureux de sa vie. Il souligne l'importance de l'inspiration que procure un nouvel instrument et la nécessité pour les artistes de rester authentiques, même face aux critiques. Il insiste sur la valeur de la musique créée sans l'intervention de l'IA, la considérant comme plus authentique et humaine. Il partage une anecdote sur l'utilisation de microphones de téléphone pour ajouter de la "saleté" et du grain à des enregistrements de cuivres pour un album de Noël, dans le but de recréer un son vintage. Il parle aussi de son approche de la production, où il préfère que les artistes soient poussés à donner le meilleur d'eux-mêmes plutôt que d'être trop ménagés. Il mentionne également la chanson "All Eyes on Me", dont l'idée était initialement floue et qui a pris forme pendant l'enregistrement, notamment grâce à l'expérimentation avec des effets de guitare pour obtenir un son intéressant. Il souligne la capacité de son producteur, Rob Cavallo, à extraire les meilleures performances de lui.